miércoles, 4 de mayo de 2016

Ana Salguero



¡Buenas a todos! Estamos en una nueva entrevista para Preguntas con arte, en este caso con la ilustradora y pintora Ana Salguero. ¡Hola, Ana! Preséntate tú misma para que nuestros lectores puedan conocerte.

Me defino como Artista Plástico/Ilustrador.
Dibujo desde siempre
Como profesional desde que terminé la licenciatura de Bellas Artes. Desde entonces trabajo fundamentalmente como ilustrador editorial para varias editoriales y publicaciones nacionales.
Aunque me gustaría expandirme también hacia el mercado internacional.
Ilustraciones de portada, de interiores con todo tipo de técnicas manuales, digitales y mixtas; y para todo tipo de público (infantil-juvenil y adulto)
También recibo encargos de pintura, retratos,...
En la actualidad compagino los encargos con producción propia de álbumes ilustrados como autor integral.

Si alguien quiere contactar contigo, ¿dónde debe dirigirse?

Pueden escribirme un correo: anasalgueroart@gmail.com o visitar mi web: http://www.anasalguero.com/

Vemos en tu galería que tienes numerosos dibujos infantiles, ¿qué distingue un dibujo infantil de uno para adultos?

En verdad es una distinción que realizan más los adultos con sus prejuicicios que un niño. Un niño es una mente “limpia” al cual le puedes enseñar casi cualquier cosa y lo interpretará a su manera. Por ejemplo: Un abstracto. A muchos adultos le enseñas un abstracto e inmediatamente dicen que no le gusta. Un niño ve un abstracto y encuentra una historia que contar con ello.

¿Qué técnicas se suelen utilizar en los dibujos infantiles? ¿Son muy diferentes de las que se usan en los de adultos?

Indistintamente que los adultos. Suelo utilizar mucha técnica mixta. Comienzo a pintar un dibujo en método tradicional, luego lo escaneo y retoque digital. Algunos fondos utilizo la técnica de fotografía de dioramas, jugando con iluminaciones. Termino montándolo todo en digital.

Para otras ilustraciones realizo el dibujo manual y posteriormente le aplico color digital con texturas escaneadas y pinceles digitales propios.

Otras están realizadas de principio a fin de forma manual.

Seguro que has tenido la oportunidad de ser felicitada por numerosos niños por tu trabajo. Cuéntanos alguna anécdota relacionada con ellos.

Libros para niños publicados sólo he tenido la ocasión de publicar uno. Estoy en la actualidad realizando proyectos propios de álbum ilustrado como autor integral para presentar a editoriales con el fin de abrirme a este campo que tanto me apasiona.
Lo que sí he tenido ocasión es de realizar actividades lúdicas para niños como marionetas y teatro de guiñol.
Me encanta ver como un trozo de cartón pintado para ellos se convierte en un personaje real con el que viven y sienten. Es mágico.

Háblanos de tu faceta de portadista, has ilustrado numerosas portadas de libros. Cuéntanos un poco.

Es un trabajo muy agradecido y que me da pie a desplegar al máximo toda mi creatividad. Aquí mi versatilidad me es ventajosa ya que cada libro tiene un lenguaje y es difícil a veces encontrar la imagen que case con el texto. Una portada tiene que hablar del texto que contiene pero a la vez enganchar por su imagen al posible lector. Una imagen que tiene que llamar la atención de alguna manera: por lo extraño, por lo bello, por misterioso,...
Siempre evocadora
Tiene que ser como un velo que quieras descorrer para engancharte al texto.
Hoy en día creo que es fundamental para una editorial dar buenas portadas a sus textos ya que tienen que destacar de la inmensa competencia que hay en las estanterías y que sus libros no pasen desapercibidos.
Hoy en día la ilustración se ha convertido en ese plus de distinción que da calidad a una publicación.



¿Qué diferencia crees que hay entre hacer una portada o cualquier otro tipo de dibujo?

La intención para la que está realizada. Yo siempre digo que me encargo de “vestir” al texto para su presentación en sociedad.
La ilustración de portada está ligada al texto en forma de evocación, a veces da el escenario otras el tono emocional, otras sólo llamar la atención.
Hay veces que me he encontrado que me pedían una especie de resumen visual del libro pero creo que eso no suele funcionar, creo que tiene que ver más con el perfume, con la esencia.

También vemos que eres pintora. Cuéntanos que diferencia hay entre pintar un cuadro y realizar una ilustración, si es que hay alguna.

Una ilustracción nos narra algo, suele acompañar a un texto, tener un “para qué”. Suele tener una utilización más comercial.
Un cuadro/pintura tambien puede que sea narrativo pero su intención suele ser más la expresión. No tiene un marcado tinte comercial. Es más el vuelco del alma del artista.

¿Qué estilos de pintura te gustan y cuáles utilizas en tus cuadros?,¿Cuáles son tus pintores favoritos?

Me gusta todo dentro del campo de la pintura y de todo aprendo. Desde lo gestual de Altamira, desde el trazo y la luz del impresionismo, la libertad del expresionismo, y lo magnifico del clasicismo. Mis pintores: Sorolla, Velazquez, Caillebotte, Carabaggio, los impresionistas, los prerrafaelistas, Klimt ...muchísimos.

Utilizo todo lo que pueda emocionarme, lo que haga sentir, lo que te “agite”,...

¿E ilustradores?

Gustave Doré, Arthur Rackham, Kay Nielsen, Beatrix Potter, John Bauer, Harry Clarke, E.H. Shephert, Norman Rockwell, Alan Lee,....de los clásicos. Pero hay muchísimos más.

De los actuales: Gabriel Pacheco, Rebecca Dautremer, Shaun Tan, Elena Odrionzola, Noemí Villamuza, Ágreda, Adolfo Serra, Ana Juan, Moebius, Rebecca Green, Benjamin Lacombe, Carson Ellis, Violeta Lópiz, Gabriel Moreno, … la lísta es interminable.

La pintura siempre se ha asociado con un cierto elitismo, parece que el tener un cuadro de un pintor importante es símbolo de estatus, ¿crees que eso es positivo o por el contrario se debería acercar más los cuadros a la gente?

Yo creo que esto es algo cultural en España. Aquí la gente se gasta una pasta en los muebles de su salón pero no invierte en una pintura o escultura que lo acompañe.
Por ejemplo para saber si es caro o barato. Una lámina te puede costar lo que unos buenos zapatos y te va a acompañar toda la vida y será una inversión. Un cuadro puede costarte lo mísmo que la mesa de tu salón pero será algo que se revalorice en el tiempo y que puedas dejar como legado. Aquí la gente le tiene miedo a la palabra “cultura”, cuando es algo del que participamos todos. Hay muchos pintores geniales que no son caros y que con el tiempo su obra puede ser una inversión si hablamos en términos prácticos. Pero yo no compraría nunca un cuadro como inversión. Yo recomiendo que se compre un cuadro por que de verdad te emocione, el arte debe ser emoción, si no estará vacío y perderá su significado.

Hablemos de la polémica frase leída en internet: “dibujar es fácil, basta con dar cuatro golpes de ratón”. ¿Qué les dirías a quienes afirman eso?

Que lo intente. Las palabras tienen que demostrarse. Detrás de una imagen de un creador por simple y depurada que parezca hay siempre un proceso creativo de búsqueda, años de trabajo y de formación. Una de las cosas más difíciles en éste trabajo es la simplicidad. Tendemos a lo barroco a poner más y más elementos y a veces simplificar es recorrer el camino al contrario y quedarse con lo esencial. Os puedo poner de ejemplo una de las portadas más difíciles a la que me he enfrentado:

Ya terminando, ¿esta entrevista te ha parecido divertida o aburrida?

Tu entrevista me ha parecido divertida, espero que los lectores no se aburran con mis respuestas.

Y ya para terminar, ¿puedes lanzar un saludo a nuestros lectores?

Saludo a todos los lectores, deseándoles que ponga un poco de arte en sus vidas, que la sazonen con ilustraciones, letras y pinturas. Que el arte no es patrimonio de los ricos, ni de los museos. Que pierdan miedo a la brocha. Que todo el mundo puede divertirse dibujando, pintando, manchando aunque no tenga conocimientos de ello. Que es un ejercicio divertido y relajante muy adecuado para el estrés de hoy en día. Que visiten exposiciones, que lean lo que quieran, pero que lean. Que es muy triste que pases por la vida sin sacarle el jugo. CARPE DIEM

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