¡Buenas a todos! Estamos en una
nueva entrevista para Preguntas con arte, en este caso con la
ilustradora y pintora Ana Salguero. ¡Hola, Ana! Preséntate tú
misma para que nuestros lectores puedan conocerte.
Me defino como Artista
Plástico/Ilustrador.
Dibujo desde siempre
Como profesional desde que terminé la
licenciatura de Bellas Artes. Desde entonces trabajo fundamentalmente
como ilustrador editorial para varias editoriales y publicaciones
nacionales.
Aunque me gustaría expandirme también
hacia el mercado internacional.
Ilustraciones de portada, de interiores
con todo tipo de técnicas manuales, digitales y mixtas; y para todo
tipo de público (infantil-juvenil y adulto)
También recibo encargos de pintura,
retratos,...
En la actualidad compagino los encargos
con producción propia de álbumes ilustrados como autor integral.
Si alguien quiere contactar contigo,
¿dónde debe dirigirse?
Pueden escribirme un correo:
anasalgueroart@gmail.com
o visitar mi web: http://www.anasalguero.com/
Vemos en tu galería que tienes
numerosos dibujos infantiles, ¿qué distingue un dibujo infantil de
uno para adultos?
En verdad es una distinción que
realizan más los adultos con sus prejuicicios que un niño. Un niño
es una mente “limpia” al cual le puedes enseñar casi cualquier
cosa y lo interpretará a su manera. Por ejemplo: Un abstracto. A
muchos adultos le enseñas un abstracto e inmediatamente dicen que no
le gusta. Un niño ve un abstracto y encuentra una historia que
contar con ello.
¿Qué técnicas se suelen utilizar
en los dibujos infantiles? ¿Son muy diferentes de las que se usan en
los de adultos?
Indistintamente que los adultos. Suelo
utilizar mucha técnica mixta. Comienzo a pintar un dibujo en método
tradicional, luego lo escaneo y retoque digital. Algunos fondos
utilizo la técnica de fotografía de dioramas, jugando con
iluminaciones. Termino montándolo todo en digital.
Para otras ilustraciones realizo el
dibujo manual y posteriormente le aplico color digital con texturas
escaneadas y pinceles digitales propios.
Otras están realizadas de principio a
fin de forma manual.
Seguro que has tenido la oportunidad
de ser felicitada por numerosos niños por tu trabajo. Cuéntanos
alguna anécdota relacionada con ellos.
Libros para niños publicados sólo he
tenido la ocasión de publicar uno. Estoy en la actualidad realizando
proyectos propios de álbum ilustrado como autor integral para
presentar a editoriales con el fin de abrirme a este campo que tanto
me apasiona.
Lo que sí he tenido ocasión es de
realizar actividades lúdicas para niños como marionetas y teatro de
guiñol.
Me encanta ver como un trozo de cartón
pintado para ellos se convierte en un personaje real con el que viven
y sienten. Es mágico.
Háblanos de tu faceta de
portadista, has ilustrado numerosas portadas de libros. Cuéntanos un
poco.
Es un trabajo muy agradecido y que me
da pie a desplegar al máximo toda mi creatividad. Aquí mi
versatilidad me es ventajosa ya que cada libro tiene un lenguaje y es
difícil a veces encontrar la imagen que case con el texto. Una
portada tiene que hablar del texto que contiene pero a la vez
enganchar por su imagen al posible lector. Una imagen que tiene que
llamar la atención de alguna manera: por lo extraño, por lo bello,
por misterioso,...
Siempre evocadora
Tiene que ser como un velo que quieras
descorrer para engancharte al texto.
Hoy en día creo que es fundamental
para una editorial dar buenas portadas a sus textos ya que tienen que
destacar de la inmensa competencia que hay en las estanterías y que
sus libros no pasen desapercibidos.
Hoy en día la ilustración se ha
convertido en ese plus de distinción que da calidad a una
publicación.
¿Qué diferencia crees que hay
entre hacer una portada o cualquier otro tipo de dibujo?
La intención para la que está
realizada. Yo siempre digo que me encargo de “vestir” al texto
para su presentación en sociedad.
La ilustración de portada está ligada
al texto en forma de evocación, a veces da el escenario otras el
tono emocional, otras sólo llamar la atención.
Hay veces que me he encontrado que me
pedían una especie de resumen visual del libro pero creo que eso no
suele funcionar, creo que tiene que ver más con el perfume, con la
esencia.
También vemos que eres pintora.
Cuéntanos que diferencia hay entre pintar un cuadro y realizar una
ilustración, si es que hay alguna.
Una ilustracción nos narra algo, suele
acompañar a un texto, tener un “para qué”. Suele tener una
utilización más comercial.
Un cuadro/pintura tambien puede que sea
narrativo pero su intención suele ser más la expresión. No tiene
un marcado tinte comercial. Es más el vuelco del alma del artista.
¿Qué estilos de pintura te gustan
y cuáles utilizas en tus cuadros?,¿Cuáles son tus pintores
favoritos?
Me gusta todo dentro del campo de la
pintura y de todo aprendo. Desde lo gestual de Altamira, desde el
trazo y la luz del impresionismo, la libertad del expresionismo, y lo
magnifico del clasicismo. Mis pintores: Sorolla, Velazquez,
Caillebotte, Carabaggio, los impresionistas, los prerrafaelistas,
Klimt ...muchísimos.
Utilizo todo lo que pueda emocionarme,
lo que haga sentir, lo que te “agite”,...
¿E ilustradores?
Gustave Doré, Arthur Rackham, Kay
Nielsen, Beatrix Potter, John Bauer, Harry Clarke, E.H. Shephert,
Norman Rockwell, Alan Lee,....de los clásicos. Pero hay muchísimos
más.
De los actuales: Gabriel Pacheco,
Rebecca Dautremer, Shaun Tan, Elena Odrionzola, Noemí Villamuza,
Ágreda, Adolfo Serra, Ana Juan, Moebius, Rebecca Green, Benjamin
Lacombe, Carson Ellis, Violeta Lópiz, Gabriel Moreno, … la lísta
es interminable.
La pintura siempre se ha asociado
con un cierto elitismo, parece que el tener un cuadro de un pintor
importante es símbolo de estatus, ¿crees que eso es positivo o por
el contrario se debería acercar más los cuadros a la gente?
Yo creo que esto es algo cultural en
España. Aquí la gente se gasta una pasta en los muebles de su salón
pero no invierte en una pintura o escultura que lo acompañe.
Por ejemplo para saber si es caro o
barato. Una lámina te puede costar lo que unos buenos zapatos y te
va a acompañar toda la vida y será una inversión. Un cuadro puede
costarte lo mísmo que la mesa de tu salón pero será algo que se
revalorice en el tiempo y que puedas dejar como legado. Aquí la
gente le tiene miedo a la palabra “cultura”, cuando es algo del
que participamos todos. Hay muchos pintores geniales que no son caros
y que con el tiempo su obra puede ser una inversión si hablamos en
términos prácticos. Pero yo no compraría nunca un cuadro como
inversión. Yo recomiendo que se compre un cuadro por que de verdad
te emocione, el arte debe ser emoción, si no estará vacío y
perderá su significado.
Hablemos de la polémica frase leída
en internet: “dibujar es fácil, basta con dar cuatro golpes de
ratón”. ¿Qué les dirías a quienes afirman eso?
Que lo intente. Las palabras tienen que
demostrarse. Detrás de una imagen de un creador por simple y
depurada que parezca hay siempre un proceso creativo de búsqueda,
años de trabajo y de formación. Una de las cosas más difíciles
en éste trabajo es la simplicidad. Tendemos a lo barroco a poner más
y más elementos y a veces simplificar es recorrer el camino al
contrario y quedarse con lo esencial. Os puedo poner de ejemplo una
de las portadas más difíciles a la que me he enfrentado:
Ya terminando, ¿esta entrevista te
ha parecido divertida o aburrida?
Tu entrevista me ha parecido divertida,
espero que los lectores no se aburran con mis respuestas.
Y ya para terminar, ¿puedes lanzar
un saludo a nuestros lectores?
Saludo a todos los lectores,
deseándoles que ponga un poco de arte en sus vidas, que la sazonen
con ilustraciones, letras y pinturas. Que el arte no es patrimonio de
los ricos, ni de los museos. Que pierdan miedo a la brocha. Que todo
el mundo puede divertirse dibujando, pintando, manchando aunque no
tenga conocimientos de ello. Que es un ejercicio divertido y
relajante muy adecuado para el estrés de hoy en día. Que visiten
exposiciones, que lean lo que quieran, pero que lean. Que es muy
triste que pases por la vida sin sacarle el jugo. CARPE DIEM
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